很多摄影爱好者低估了静物摄影的价值，认为它是纪实、风光、人像这些大类的边角料。其实不然。不管在商业层面，还是艺术层面，静物都是一个值得被深挖和学习的题材。
原画册有出过一个课程叫做《生活到商拍：静物美食摄影全系课》，其中ICY老师一语道破静物摄影的内核：它是一种逆向思维——先有想法，再有布景，最后拍摄和后期。的确，这与习惯了走走拍拍的「捕猎式」拍摄有着本质不同。
沿着这个思路，结合商业实践和摄影美学理论，我们可以抓住三个维度来阅读和学习——
画意、置景、光线
具体来说，静物摄影的审美源头大多和广义绘画有关系，拍摄逻辑与「置景」都有渊源。置景的环境自然光或采用摄影棚闪光灯，也是可以玩味的地方。
以下我们将以两篇文章，聊聊静物摄影，从商业到艺术，看看它在应用和艺术表达层面的无数可能性：
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01.彼得·李普曼 Peter Lippmann
“高仿名作画意”
Peter Lippmann是一位风格很独特的商业摄影师，拍摄了许多如Christian Louboutin、Cartier、Guerlain等大品牌的广告。
他的作品是完全摄影棚式的置景，外加人工光线的配合，但同时也呈现出比较直接的画意——
模仿大师绘画，让静物闯入名画中
比如大家熟悉的画家文森特·梵高的《向日葵》：
©️文森特·梵高
©️Peter Lippmann
模仿克劳德·莫奈的画作：
©️克劳德·莫奈
©️Peter Lippmann
以及法国印象派大师卡米耶·毕沙罗的画作：
©️卡米耶·毕沙罗
©️Peter Lippmann
这是很典型的商业拍摄方式，呈现出来的作品也完全符合人们对艺术（画意）的想象：
风格华丽
明暗对比强烈
呈现油画质感
……
当然对于普通爱好者来说，也许在硬件设施上无法达到专业商拍级别的条件，不过我们也可以从Peter Lippmann作品的一些细节中来接近这种「画意」。
首先，所有作品都并非按照原画死板的复制。Peter Lippmann遵从了画作中的构图与大致配色，但自己也添加了一些小元素作为细节。比如桌面上零星散落的植物，让原本整洁甚至可以说是「端庄」的画面变得生动了起来。
也许一些人在拍摄时，会选择避开或去掉这些看似不完美的痕迹，以求保证画面干净，但有时过度的规整可能会使画面变得死板。常有人困惑那些有秩序感又放松随意的构图，到底怎么拍出来？其实可能就藏在这些破掉平衡的小细节里。
©️Peter Lippmann
再者，细心的朋友可能会发现，除了商品外画面里——
几乎没有其他现代特征的物品
这也是Peter Lippmann作品里油画感的来源之一。大家可以想象一下，原本画意的场景里，出现一个ins风几何线条感极强的花瓶，是否整体寂静深沉的氛围也会大打折扣。
©️Peter Lippmann
古典绘画，特别是名画，是最为人们所接受的「画意」，它能满足人们对艺术感的想象。Cosplay名画算得上是一种很有话题的策划，所以运用在商业上恰如其分。也许你想拍静物但还没有自己的想法，那么模仿名画可能是个不错的开端。
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02.艾伦·特利 Aaron Tlley
“用建筑摄影的方法拍静物“
Aaron Tilley是一位来自伦敦的静物美食摄影师，他的思路和手法都比较有趣。最喜欢打破人们看待特定物品或食物的方式，很擅长拍摄有设计感且有些视觉猎奇的作品。
©️Aaron Tilley
比较有经验的朋友看到上面的图，应该可以马上反应过来，Aaron Tilley运用了建筑空间摄影的手法来拍摄静物。在布置灯光时采用了硬光，这让画面中的意大利面轮廓形态清晰，同时形成的阴影强化了建筑感与空间感。
©️Hélène Binet
©️Sebastian Weiss
而在他的另外一组作品中，则是采用了景观摄影的方式，特别是在传统园林景观摄影中的框景、透景方式。
©️Aaron Tilley
©️Gerry Johansson
这一灵感源于Aaron Tilley一次日本的出行，在参观了许多寺庙和庭院后，他发现这些建筑里的门窗可以完美地构成那些漂亮花园的外框。而作为微缩景观材料的食物，也经过严谨的考虑。包括形状，在充足光线下突出的纹理，以及看起来就很好吃（笑）。
Aaron Tilley的画意借鉴很特殊，并非从传统古典画派而来，反而是利用了建筑、景观摄影的画面表达。而利用食物构建抽象微缩景观，是——
策划介入很深的置景
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人工光线摄影
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03.欧文·佩恩 Irving Penn
“将400年前的画意现代化”
Irving Penn是20世纪最伟大的商业摄影大师之一，虽然是商业大师，但在他60多年的职业生涯里，也进行艺术类别的创作。
虽然静物摄影难以脱离画意范畴，但是有艺术背景的摄影师，总能更「高级」地运用画意。我们来看他是怎么做的：
在他个人黑白静物的项目里，物品以垂直模式排列，而腐烂的水果或头骨却在不稳定的位置出现，打破了这一排列的稳定节奏。这样的构图和物品组合形式，让人想起黄金时代的荷兰静物画大师彼得·克莱兹的虚空派画作。
©️Irving Penn
©️彼得·克莱兹
他不再只是表现日常之物写实、精美的一面，而是赋予这些物件其他的象征寓意，比如世俗的病态或生命的脆弱。观看者在欣赏作品的时候，需要经过认真阅读和反复推敲，才能体会到隐藏在作品里的含义 。
而一些商业静物的项目，Irving Penn则利用常见的元素组合，比如食物、日用品杂糅在一起，形成奇特的观感。
©️Irving Penn
这种将古典画意现代化的方法，具体来说就是：
置景强调现代元素
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贴近当代生活
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不追求无谓的完美和精致
虽然对绘画进行了借鉴，但不再只是一味制造古典画意（现在许多网红静物摄影师只走这个方向，比较泛滥）。更多的是对结构和内核的表现，这样拍摄出来的作品反而有自然的感觉。
同时，Irving Penn拍摄的静物并非完全的桌上造景，也有「抓拍」意味。比如：
©️Irving Penn
这两幅作品都很有叙事感，比如两个行李箱上放着的香烟、手套、帽子，还有随意搭着的皮草大衣，以及平行放置的雨伞和相同的票号，很容易让人联想起一次旅行。而在剧院里，一位女士脚边散落的宴会包、望远镜、怀表等小配饰，似乎向我们诉说了这位女士前几秒的匆忙。
这些作品里自然的光线柔和观感，通过合适的自然光漫反射和柔光罩就可以实现，适合我们在日常生活中进行尝试。即使不那么刻意置景，也能拍出带有画意感的静物作品。
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04.保罗·奥特布里奇 Paul Outerbridge
“构成与现代主义”
再说一遍：艺术背景的摄影师，总能更「高级」地运用画意。
被称为「静物之父」的Paul Outerbridge，是上世纪30年代纽约最著名且收入最高的的商业摄影师之一。同时，他还是第一位在MoMA举办个展的彩色摄影师。他不再是向古典绘画的画意靠拢，而是向现代绘画学习——向现代绘画学习，比向古典绘画学习，更能发挥摄影自身的美学优势（本体美学）。
©️Paul Outerbridge
Paul Outerbridge的美学来源于欧洲现代主义和超现实主义。上图是他拍摄的第一单广告照片《衣领》，被刊登在1922年11月的《名利场》杂志上。白色的可拆卸衣领被放置在棋盘格背景上，黑白方块的交替图案被衣领的弧形所切割。杜尚（Marcel Duchamp）对它的抽象表达印象深刻，甚至将照片从杂志上撕下来钉在了自己工作室的墙上。
©️Paul Outerbridge
在Paul Outerbridge的镜头里，普通的静物被抽象化，有着强烈的陌生感。线条和块面的构成让空间错乱，这也是借鉴了立体主义画派的表现手法，即：
物体的各个角度交错叠放
背景与画面主题交互穿插
所有物品被当作碎片化的形态重新组合在一起，就连阴影也被作为了构图中的元素。
《Kandinsky》 ©️Paul Outerbridge
《Images de Deauville》 ©️Paul Outerbridge
Paul Outerbridge很擅长精巧的构图，就像《Images de Deauville》这幅作品。能看到构图中包含了一个带框的海景图片外，还将整个构图放入了最外侧的框架中。这种有点像套娃般双框架的构图让人分不清真假，也强调了图片的多个层次，似乎还暗示观看者摄影的力量可以包含其他形式的视觉艺术。
通过Paul Outerbridge的镜头，静物不再是优美的、抒情的、华丽的、精致的，而是用点线面等新世界的语言来构成。
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05.爱德华·韦斯顿 Edward Weston
“F64的反画意实践”
Edward Weston是美国摄影史上有名的「F64小组」成员，他们以使用
大画幅
+
小光圈
拍摄作品著称，确保了前景和背景的最大清晰度，同时保留更多的细节。在流行模糊细节与柔焦镜头的那个时代，Edward Weston的作品可谓是对画意摄影的「反叛」。
©️Edward Weston
Edward Weston与「F64小组」的成员们倡导通过集中精神观察事物的表面质感与形态，来触及生命的核心。听起来似乎有点悬，用人话来说就是「直接摄影」的深刻实践，即：
优先考虑高对比度
+
清晰对焦
+
强调主体的形式特征
+
不进行裁剪
……
©️Edward Weston
当然除开技术层面，Edward Weston拍摄静物时还会采用拟人的修辞手法，这让物体本身变得抽象陌生。比如被公认为「世界摄影史上不朽的伟大作品」的《青椒30号》：
©️Edward Weston
青椒因纹理细节产生精美的雕塑感，流畅的线条好似人类背部的曲线，扭曲中暗含着肌肉喷薄的力量感。青椒超越了蔬菜本身的存在，甚至具有男性气质，这让它既现实又超现实。
而这种观感的产生，源于
铁皮罐漫反射达成的戏剧性光线
+
长达6分钟的曝光
同时，Edward Weston的拍摄动机是「记录」镜头前的物体本身，而不是一种充满怀旧感伤、宗教情怀或转瞬即逝的情绪。
©️Edward Weston
看Edward Weston的作品，是不是能感受到一种特别的美？而且这种美与绘画不同——是具有摄影特质的美，是摄影本体美学（属于摄影特质的美）。这是一种远离「画意」的决心。
「直接摄影」的代表人物保罗·斯特兰德曾这样阐述他的艺术观：
“摄影者必须学会并且保持他对眼前事物真诚的敬意，并借着作品中无限宽广的超出人类双手技能极限的阶调值将敬意表现出来。要完全将它实现并不需要搬弄拍照与冲洗技巧，而是使用直接的摄影方式完成的。”
我认为Edward Weston的静物作品如此有魅力，也是因为这些直接获取的清晰有力、质感鲜明的影像。
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06.伊莫金·坎宁安 Imogen Cunningham
“很摄影的静物影像”
Imogen Cunningham是摄影史上最重要的女摄影家之一，也是F64小组中唯一的女性。和上面提到的的Edward Weston一样，她的摄影作品也脱离了当时的「画意」传统，是理性、直接摄影。
同样因为采用大画幅+小光圈的拍摄方法，她的静物照有非常多的细节。我们能真正干净、准确、清晰的看到事物，值得放缓速度一直凝视着它去观看。
©️Imogen Cunningham
Imogen Cunningham作品里有一种诗意与宁静的氛围，我认为这是因为她有很棒的对植物生长的视觉感知。
所以她能捕捉到木兰花展开的花瓣、蜷曲的花蕊：
©️Imogen Cunningham
藜芦叶片层叠包裹的形态还有向下垂落的叶尖：
©️Imogen Cunningham
以及龙舌兰还未展开的新叶和上面还很圆润的倒披针状线形：
©️Imogen Cunningham
同时，Imogen Cunningham也非常注静物本身与背景之间的色彩、以及影调之间的关系。她会通过一些几何形态，以及对细节的观察来组织画面达到精准的构成。
看过照片我们就能发现，Imogen Cunningham拍摄时会采用——
直接照射在植物上的光线
这样的光线在植物的花瓣或叶片上形成强烈的线条和阴影，有一种清晰的几何逻辑，一种形式的和谐。她将静物和光影都看成是画面构成的一部分，光线不再是「氛围组」了，也是参与其中的演员。
©️Imogen Cunningham
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上面的介绍，从商业摄影说到了摄影大师，下期我们将介绍更多元的静物摄影及其美学解读。
to be
continued
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